Jerry Saltz citazioni famose

Mettiti nella posizione di un artista emergente che vive nell'Italia dei primi anni del XVI secolo. Ora immagina di provare a distinguerti dagli altri artisti che vivono nella tua città: Michelangelo, Raffaello, Leonardo o Tiziano. C'è da meravigliarsi che l'Alto Rinascimento italiano sia durato solo 30 anni?

Per interagire con l'arte, dobbiamo essere disposti a sbagliare, avventurarci al di fuori delle nostre zone di comfort psichico, sospendere l'incredulità e ricordare che l'arte esplora e altera la coscienza contemporaneamente.

Quando la gente negli stadi fa l'Onda, è l'organismo collettivo della mente di gruppo che si organizza spontaneamente per esprimere un'emozione, passare il tempo e riflettere la gioia di vedere i ritmi di molti come uno, una rima visiva o una musica in cui tutti percepiscono dove sta andando il movimento.

Miliardi di foto vengono scattate ogni anno e la cosa più difficile che un fotografo può fare è inventare uno stile visivo originale, profondamente personale e immediatamente riconoscibile. Nei primi anni Novanta, Wolfgang Tillmans ha fatto proprio questo, trasformandosi in un nuovo tipo di artista-fotografo della vita moderna.

L'arte è un modo per mostrare al mondo esterno com'è il tuo mondo interiore.

'Summer of Love: Art of the Psychedelic Era', il viaggio del 40 ° anniversario del Whitney Museum lungo la corsia della memoria della controcultura, offre momenti di divertimento vivace, ma ti lascerà solo comodamente intorpidito. Per cominciare, potrebbe essere lo spettacolo più bianco, più dritto e più conservatore visto in un museo di New York da quando la psichedelia era nuova.

L'arte sta cambiando. Ancora. Qui. Ora. Le opportunità di testimoniare questo sono rare, quindi partecipa e osserva.

Nell'arte, lo scandalo è una falsa narrazione, una cortina fumogena che mimetizza piuttosto che rivelare. Quando non sappiamo cosa stiamo vedendo, reagiamo in modo eccessivo.

La più grande opera d'arte di New York? La domanda sembra nebulosa. La magia e la maestosità della città sono distillate nelle fotografie di Alfred Stieglitz e Paul Strand.

Lavorare per altri artisti significa conoscere, imparare, disimparare, avviare dialoghi artistici a lungo termine, creare connessioni, creare congreghe e ottenere un riparo temporaneo dalla tempesta.

Fuori dai musei, nelle rumorose piazze pubbliche, la gente guarda le persone. All'interno dei musei, lasciamo quel regno ed entriamo in quella che potrebbe essere chiamata la mente di gruppo, diventando tranquilli a guardare l'arte.

L'astrazione è uno dei più grandi strumenti visionari mai inventati dagli esseri umani per immaginare, decifrare e rappresentare il mondo.

L'estate è un ottimo momento per visitare i musei d'arte, che offrono il risciacquo rinfrescante delle piscine - solo che invece di acqua fresca, ti immergi nell'arte.

Ci sono voluti quasi 50 anni al Metropolitan Museum of Art per risvegliare Pablo Picasso. Non possedeva uno dei suoi dipinti fino al 1946, quando Gertrude Stein lasciò in eredità quell'indomabile immagine quasi cubistica di se stessa-un ritratto della scrittrice come un Buddha di sumo - al Met, principalmente perché non le piaceva il Museo di Arte Moderna.

Quando i musei sono costruiti in questi giorni, architetti, direttori e amministratori sembrano più preoccupati per lo spazio sociale: luoghi in cui organizzare feste, cenare, bere e cenare. Certo, questi sono importanti in questi giorni-i musei devono portare soldi-ma divorano lo spazio e spingono l'arte stessa lontano dall'ingresso.

La fotografia è la cosa più facile da fare, e una delle cose più difficili da fare bene.

L'arte di solito fa notizia in America solo quando l'argomento è il denaro.

L'appropriazione è l'idea che ha mangiato il mondo dell'arte. Vai a qualsiasi galleria Chelsea o biennale internazionale e lo troverai. È lì in dipinti di fotografie, fotografie di pubblicità, sculture con oggetti già pronti, video che utilizzano film già esistenti.

Missione compiuta. Il secondo piano del Museo di Arte Moderna, aperto, dai soffitti alti e super-rinforzato, è stato a tutti gli effetti costruito per ospitare installazioni monumentali e sculture gigantesche, in caso di necessità. È sorto.

Marlene Dumas è una delle due o tre artiste di maggior successo al mondo, se si giudica dai prezzi. Non ho mai rivisto il suo lavoro, perché non trovo nulla di cui essere entusiasta, non importa quanto sia duro.

I grandi nuovi dipinti di Mark Grotjahn abbondano di torrenti di impasti a corda, disposti in boschetti, onde a cascata e fasci che si gonfiano, si intrecciano o si sovrappongono l'un l'altro.

Molti dicono che un mercante d'arte che gestisce un museo è un " conflitto di interessi. Ma forse il mondo dell'arte ha vissuto una bugia artificiale o involontaria in tutti questi anni quando si tratta di conflitti di interesse.

John Baldessari, il concettualista di 79 anni, ha trascorso più di quattro decenni a fare arte concettuale sull'arte laconica e ironica, sia buona che cattiva.

Lo stile dell'antica arte egiziana è trascendentemente chiaro, qualcosa che i bambini di 8 anni possono riconoscere in un istante. La sua coerenza e codificazione è uno dei viaggi visivi più epici di tutta l'arte, uno che dura 30 dinastie distribuite su 3.000 anni.

Probabilmente solo un mondo dell'arte come me potrebbe assegnare un significato più profondo a qualcosa di semplice e stupido come il Tebowing. Ma, per noi, ogni volta che le persone ripetono una posizione o un po ' di danza, da soli o insieme, vediamo che può significare qualcosa. Il linguaggio immaginario e non detto è la nostra cosa.

Il cubo bianco gigante sta ora ostacolando piuttosto che migliorare i ritmi dell'arte. Preprogramma il viaggio di uno spettatore, sposta l'enfasi dal processo al prodotto e manca di individualità e apertura. Non è che l'arte dovrebbe essere vista solo in ambienti bombardati, ma dovrebbe sembrare viva.

L'alchimia di una buona curatela equivale a questo: a volte, mettere un'opera d'arte vicino a un'altra fa uno più uno uguale a tre. Due opere d'arte disposte alchemicamente lasciano ciascuna intatta, trasformano entrambe e creano una terza cosa.

Ora la gente guarda "L'urlo" o "Iris" di Van Gogh o un Picasso e vede il suo nuovo contenuto: il denaro. Le case d'asta equiparano intrinsecamente il capitale al valore.

Amo i mercanti d'arte. In un certo senso, sono le mie persone preferite nel mondo dell'arte. Davvero. Mi piace che mettano i loro soldi dove sono i loro gusti, creino i loro universi estetici, sostengano gli artisti, assumano persone e facciano tutto questo mentre ci permettono di vedere l'arte gratuitamente. Molti sono visionari.

Naturalmente l'etica del mondo dell'arte è importante. Ma i musei non sono più puri di qualsiasi altra istituzione o azienda. Gli accademici non sono necessariamente più altezzosi dei galleristi.

Molti musei stanno attirando il pubblico con l'arte che è apparentemente più divertente di roba che si siede e invita alla contemplazione. Interattività, aggeggi, mangiare, uscire, cose che fanno rumore - tutti sono ormai la norma, spesso bordatura fuori molto altro.

La carriera di Lucian Freud afferma che l'unica cosa che un artista può fare è rimanere fedele a qualsiasi visione, (mancanza di) talento, o idee che sono capitate a sceglierle per essere rese note al mondo.

Vivendo e lavorando per quattro decenni in un appartamento e studio di Bologna che condivideva con le sue sorelle non sposate, Morandi dipingeva poco ma bottiglie, scatole, barattoli e vasi. Eppure, come quello di Chardin e del sottovalutato William Nicholson, il lavoro di Morandi sembra rallentare il tempo e mostrarti cose che non hai mai visto prima.

Se solo potessimo convincere le gallerie ad osservare un periodo di riposo in cui, per due mesi ogni due anni, nuove e vecchie opere d'arte potrebbero essere vendute nelle sale sul retro e tutte le gallerie principali sarebbero dedicate a rivisitare spettacoli passati.

Sto notando un nuovo approccio al fare arte nelle recenti mostre di musei e gallerie. Si è messo a fuoco al New Museum 'Younger Than Jesus' l'anno scorso e ha attraversato la Whitney Biennial, e lo vedo sbocciare e dare i suoi frutti a 'Greater New York', la stravaganza due volte decennale del MoMA P.S. 1 di talenti locali emergenti.

Vorrei poter scrivere di spettacoli fuori New York. Spesso mi sento come l'ultima persona a sapere qualcosa, perché non riesco quasi mai a lasciare la città, e quando lo faccio, tendo ad andare per tre giorni al massimo. Vedere tra 30 e 40 spettacoli a settimana in circa 100 gallerie e musei occupa quasi tutto il mio tempo.

Vedo circa 100 spettacoli al mese, che vanno dai palazzi delle dimensioni di Niketown dove hai voglia di urlare, alle vetrine di Bushwick. Ognuno deve pagare le bollette; mantenere gli artisti felici; e far fronte ai collezionisti (oy!), curatori (ay-yi-yi), critici (woo-hoo!), e occasionalmente idraulici. Il fatto che la loro vita fiscale sia spesso in bilico non fa che aumentare l'energia.

Vedo da 30 a 40 mostre in galleria a settimana, e non importa in che tipo di umore sono, non importa quanto male sia l'arte, quasi sempre mi sento meglio dopo. Posso imparare tanto dalla cattiva arte quanto dalla buona.

Mi trovo spesso a stufare privatamente di molta arte britannica, pensando che, tranne che per i loro enormi giardini, gli inglesi non sono principalmente artisti visivi e sono, in modi quasi insuperabili, letterari.

Mi piace molto George W. Bush. Sacco. Dopo aver passato più di un decennio ad avere reazioni chimico-fisiologiche quasi ogni volta che lo vedevo, ricevendo gli heebie-jeebies ogni volta che parlava - dopo essere stato sicuro fin dall'inizio che era un Gremlin sull'ala dell'America - Mi piacciono molto i dipinti di George W. Bush.

Non pianifico rigorosamente le mie visite, ma ho una lista di circa 125 gallerie di New York, spazi alternativi, musei e così via che visito regolarmente. Questa è la cosa più vicina a una strategia: vado in molti posti, molti che gli artisti non visitano.

Se la Frieze Art Fair prende piede, immagino che stiano accadendo almeno due grandi cose. In primo luogo, avremo ancora una volta una grande fiera d'arte in città che non è troppo fastidiosa per andare. Ancora più importante, Frieze potrebbe finalmente mostrare ai newyorkesi che possiamo attraversare le nostre acque per la cultura visiva. Questo cambierebbe tutto.

Immagina che sia il 1981. Sei un artista, innamorato dell'arte, innamorato della storia dell'arte. Sei anche una donna, con quasi nessun mentore a cui guardare; la storia dell'arte non è che in te. Ogni donna che si avvicinava alla storia dell'arte nei primi anni Ottanta stava tentando di entrare in un paese quasi straniero, un dominio ristretto ed esclusivo che parlava una lingua privata.

In un certo senso Lawler è una concettuale Diane Arbus. E ' una stalker che approfitta delle situazioni. Tira indietro le tende, facendo sembrare le cose normali bizzarre e le bizzarre banali.

Il lavoro di Koons si è sempre distinto per la sua perfezione una alla volta, la teatralità epica, una spinta corrotta, quasi malata per la purificazione e un'ossessione per i valori artistici tradizionali.

I dipinti di Kinkade sono inutili schmaltz, e i media lamestream che lo amano si sbagliano. Tuttavia, mi piacerebbe vedere un museo montare una piccola mostra del lavoro di Kinkade. Vorrei che il mondo dell'arte e il mondo in generale discutessero su di lui in pubblico, all'aperto.

Mi ci sono voluti vent'anni per ottenere il lavoro di Steven Parrino. Dal momento in cui ho visto per la prima volta la sua arte, a metà degli anni Ottanta, l'ho quasi sempre liquidata come un'astrazione manierata, romantica, formulaica, concettualista-formalista di heavy-metal boy-art.

Proprio come Pollock usava la flebo per fondere processo e prodotto, Richter 'trovò' e usò la macchia e la sfocatura per rapire l'occhio, creando opere di potere psichico e fisico.

Jeffrey Deitch è il Jeff Koons dei mercanti d'arte. Non perché sia il più grande, il migliore o il più ricco della sua specie. Ma perché in un certo senso è il più strano (che sta dicendo molto quando si parla delle creature meravigliose, malvagie, amabili e fastidiose conosciute come mercanti d'arte).

È bello che New York abbia grandi spazi per l'arte. Ma l'enorme scatola immacolata è diventata un luogo datato, persino opprimente. Molti di questi spazi sono stati progettati per installazioni tentacolari, grandi dipinti e il lavoro di estetica relazionale degli ultimi quindici anni.