Gerhard Richter citazioni famose

L'arte è la più alta forma di speranza.

La pittura è la mia professione, perché è sempre stata la cosa che mi interessava di più. Ho una certa età, vengo da una tradizione diversa e, in ogni caso, non posso fare altro. Sono ancora molto sicuro che dipingere è una delle capacità umane più basilari, come ballare e cantare, che hanno senso, che rimangono con noi, come qualcosa di umano.

Ora non ci sono più preti o filosofi, gli artisti sono le persone più importanti del mondo.

Non so come posso descrivere la qualità che si trova solo nell'arte (che si tratti di musica, letteratura, pittura o qualsiasi altra cosa), questa qualità, è solo lì, e dura.

Poiché non esiste una cosa come la rettitudine assoluta e la verità, perseguiamo sempre la verità artificiale, guida, umana. Giudichiamo e facciamo una verità che esclude altre verità. L'arte gioca un ruolo formativo in questa fabbricazione della verità.

L'arte è il mezzo ideale per entrare in contatto con il trascendentale, o almeno per avvicinarsi ad esso.

Parlare di quadri non è solo difficile ma forse anche inutile. Puoi solo esprimere a parole ciò che le parole sono in grado di esprimere what ciò che il linguaggio può comunicare. La pittura non c'entra nulla.

L'arte ci mostra come vedere le cose che sono costruttive e buone, e come esserne parte attiva.

Trovo il periodo romantico straordinariamente interessante. I miei paesaggi hanno legami con il romanticismo: a volte sento un vero desiderio, un'attrazione per questo periodo, e alcune delle mie foto sono un omaggio a Caspar David Friedrich.

Sono grato che la chiesa esiste, grato che ha fatto cose così grandi, dandoci leggi, per esempio - 'tu devi 'e' non devi', e stabilito il Bene e il male. Questo è ciò che fanno tutte le religioni, e non appena cerchiamo di sostituirle, le religioni mondane come il fascismo e il comunismo prendono il sopravvento.

Naturalmente mi dispero costantemente per la mia incapacità, per l'impossibilità di realizzare mai qualcosa, di dipingere un quadro valido e vero o anche di sapere come dovrebbe essere una cosa del genere. Ma poi ho sempre la speranza che, se persevero, un giorno potrebbe accadere. E questa speranza si alimenta ogni volta che appare qualcosa, un accenno iniziale sparso, parziale, di qualcosa che mi ricorda ciò che desidero, o che ne trasmette un accenno, anche se abbastanza spesso sono stato ingannato da uno sguardo momentaneo che poi svanisce, lasciando dietro di sé solo la solita cosa.

Spesso ho bisogno di molto tempo per capire le cose, per immaginare un quadro che potrei fare.

La fotografia è l'immagine più perfetta. Non cambia; è assoluto, e quindi autonomo, incondizionato, privo di stile. Sia nel suo modo di informare, sia in quello di cui informa, è la mia fonte.

Mi piace tutto ciò che non ha stile: dizionari, fotografie, natura, me stesso e i miei dipinti. (Perché lo stile è violento, e io non sono violento.)

I miei quadri sono più saggi di me.

Immaginare le cose, prendere una visione, è ciò che ci rende umani; l'arte è dare senso e dare forma a quel senso. È come la ricerca religiosa di Dio.

Sono ridicolmente vecchio stile.

L'arte dovrebbe essere seria, non uno scherzo. Non mi piace ridere dell'arte.

Voglio contenuti pittorici senza sentimento, ma lo voglio il più umano possibile

Vado in studio tutti i giorni, ma non dipingo tutti i giorni. Mi piace giocare con i miei modelli architettonici. Adoro fare progetti. Potrei passare la mia vita a sistemare le cose.

Passano le settimane e non dipingo fino a quando non riesco a sopportarlo più a lungo. Mi sono stufato. Quasi non voglio parlarne, perché non voglio diventare consapevole di sé, ma forse creo queste piccole crisi come una sorta di strategia segreta per spingermi.

L'anno è sempre corretto, anche il mese, solo il giorno può essere un altro. Ma questo mi viene in mente solo nel momento in cui lo scrivo.

Quasi ogni opera d'arte è un'analogia. Quando faccio una rappresentazione di qualcosa, anche questa è un'analogia con ciò che esiste; faccio uno sforzo per ottenere una presa sulla cosa rappresentandola. Preferisco stare alla larga da qualsiasi cosa estetica, per non creare ostacoli a modo mio e non avere il problema di persone che dicono: "Ah, sì, è così che vede il mondo, è la sua interpretazione.'

Credo che l'arte abbia una sorta di giustezza, come nella musica, quando sentiamo se una nota è falsa o meno

Naturalmente, anche le immagini degli oggetti hanno questo lato trascendentale. Ogni oggetto, essendo parte di un mondo in ultima analisi incomprensibile, incarna anche quel mondo; quando rappresentato in un quadro, l'oggetto trasmette questo mistero tanto più potente, tanto meno di una "funzione" l'immagine ha. Da qui, per esempio, il crescente fascino di molti bei vecchi ritratti.

La vernice per i dipinti grigi è stata mescolata in anticipo e poi applicata con diversi strumenti-a volte un rullo, a volte un pennello. Fu solo dopo averli dipinti che a volte sentii che il grigio non era ancora soddisfacente e che era necessario un altro strato di vernice.

Ciò che mi attirava dei miei specchi era l'idea di non avere nulla di manipolato in essi. Un pezzo di specchio comprato. Appena appeso lì, senza alcuna aggiunta, per operare immediatamente e direttamente. Anche a rischio di essere noiosi. Mera dimostrazione. Anche gli specchi, e ancor più i Vetri, erano certamente diretti contro Duchamp, contro il suo Grande Vetro.

Ho iniziato a fare "figure", poi, un giorno, all'improvviso, ho iniziato a fare astrazione. E poi ho iniziato a fare entrambe le cose. Ma non è mai stata una decisione davvero consapevole. Era semplicemente una questione di desiderio. In effetti, preferisco davvero fare lavori figurativi, ma la figura è difficile. Quindi per aggirare la difficoltà mi prendo una pausa e dipingo astrattamente. Che mi piace molto, a proposito, perché mi permette di fare bellissimi dipinti.

Il mio metodo è legato al tentativo di fare qualcosa che potrebbe essere compreso dal mondo di oggi, o che potrebbe almeno fornire comprensione. In altre parole, facendo qualcosa che capisco e che tutti capiscono. Questo desiderio naturale di comunicazione si trova anche in altri domini, come la lettura e il discorso, ecc. Odio anche ripetermi; non mi dà alcun piacere. Una volta che ho capito qualcosa, ho bisogno di iniziare su un nuovo terreno.

A differenza della fotografia e delle stampe, non ho mai catalogato, tenuto traccia o esposto gli schizzi. Ho venduto un po ' di tanto in tanto, ma non mi sono mai visto come un artista grafico. Sono diventati più importanti per me grazie alla mostra, tuttavia, e mi sono reso conto che questi disegni erano piuttosto interessanti dopo tutto.

Non ho mai trovato nulla che manchi in una tela sfocata. Al contrario: puoi vedere molte più cose in esso che in un'immagine fortemente focalizzata. Un paesaggio dipinto con precisione ti costringe a vedere un determinato numero di alberi chiaramente differenziati, mentre in una tela sfocata puoi percepire tutti gli alberi che vuoi. Il dipinto è più aperto.

Le immagini sono l'idea in forma visiva o pittorica; e l'idea deve essere leggibile, sia nell'immagine individuale che nel contesto collettivo - il che presuppone, naturalmente, che le parole siano usate per trasmettere informazioni sull'idea e sul contesto. Tuttavia, nulla di tutto ciò significa che le immagini funzionano come illustrazioni di un'idea: in ultima analisi, sono l'idea. Né la formulazione verbale dell'idea è una traduzione del visivo: essa ha semplicemente una certa somiglianza con il significato dell'idea. È un'interpretazione, letteralmente una riflessione.

Un'opera d'arte è essa stessa un oggetto, prima di tutto, e quindi la manipolazione è inevitabile: è un prerequisito. Ma avevo bisogno della maggiore oggettività della fotografia per correggere il mio modo di vedere: per esempio, se disegno un oggetto dalla natura, comincio a stilizzarlo e a cambiarlo secondo la mia visione personale e la mia formazione. Ma se dipingo da una fotografia, posso dimenticare tutti i criteri che ottengo da queste fonti. Posso dipingere contro la mia volontà, per così dire. E questo, per me, sembrava un arricchimento.

La fotografia non ha quasi nessuna realtà; è quasi al cento per cento immagine. E la pittura ha sempre la realtà: puoi toccare la pittura; ha la presenza; ma produce sempre un quadro - non importa se buono o cattivo. Questa è tutta la teoria. Non va bene. Una volta ho scattato alcune piccole fotografie e poi le ho spalmate di vernice. Questo ha in parte risolto il problema, ed è davvero buono - meglio di qualsiasi cosa potrei mai dire sull'argomento.

In effetti, è stato solo attraverso il rivenditore Fred Jahn che sono riuscito a superare la mia riserva sulle opere su carta e ad esporle. A questo, naturalmente, si aggiungeva il fatto che dopo dieci anni ho potuto vedere gli acquerelli in una luce diversa, e in combinazione con i quadri dipinti in seguito, erano diventati almeno più comprensibili per me.

Dipingere quadri è semplicemente il funzionario, il lavoro quotidiano, la professione, e nel caso degli acquerelli posso permettermi prima di seguire il mio umore, il mio spirito.

Foto di famiglia, immagini di gruppi, quelli sono veramente meraviglioso. E sono altrettanto bravi come i vecchi maestri, altrettanto ricchi e altrettanto meravigliosamente composti (cosa significa comunque).

Quando dipingo da una fotografia, il pensiero cosciente viene eliminato. Non capisco cosa sto facendo. Il mio lavoro è molto più vicino all'Informel che a qualsiasi tipo di "realismo". La fotografia ha un'astrazione propria,che non è facile da vedere.

Per quanto riguarda la superficie - olio su tela, applicato convenzionalmente-le mie immagini hanno poco a che fare con la fotografia originale. Sono totalmente dipinti (qualunque cosa possa significare). D'altra parte, sono così simili alla fotografia che la cosa che distingue la fotografia da tutte le altre immagini rimane intatta.

Forse la scelta è negativa, in quanto stavo cercando di evitare tutto ciò che toccava questioni ben note-o qualsiasi problema, sia pittorico, sociale o estetico. Ho cercato di non trovare nulla di troppo esplicito, quindi tutti gli argomenti banali; e poi, ancora una volta, ho cercato di evitare che il banale si trasformasse nel mio problema e nel mio marchio di fabbrica. Quindi è tutta un'azione evasiva, in un certo senso.

Forse le porte, le tende, le immagini di superficie, i vetri di vetro, ecc. sono metafore della disperazione, sospinte dal dilemma che il nostro senso della vista ci fa apprendere le cose, ma allo stesso tempo limita e in parte preclude la nostra comprensione della realtà.

Le prime tabelle a colori non erano sistematiche. Erano basati direttamente su campioni di colore commerciali. Erano ancora legati alla Pop Art. Nelle tele che seguirono, i colori furono scelti arbitrariamente e disegnati per caso. Poi, 180 toni sono stati mescolati secondo un dato sistema e disegnati per caso per fare quattro variazioni di 180 toni. Ma dopo che il numero 180 mi sembrava troppo arbitrario, così ho sviluppato un sistema basato su un numero di toni e proporzioni rigorosamente definiti.

Sulla base di miscele dei tre colori primari, insieme al bianco e al nero, escludo un certo numero di colori possibili e, moltiplicandoli per due o quattro, ottengo un numero definito di campi di colore che moltiplico ancora per due, ecc. Ma la realizzazione completa di questo progetto richiede molto tempo e lavoro.

Credo che sapesse di più quello che stava facendo. Potrei sbagliarmi, ma questa è stata la mia impressione.

Il grigio è certamente ispirato ai dipinti fotografici e, naturalmente, è legato al fatto che penso che il grigio sia un colore importante - il colore ideale per l'indifferenza, la recinzione, il silenzio, la disperazione. In altre parole, per stati dell'essere e situazioni che riguardano uno, e per i quali si vorrebbe trovare un'espressione visiva.

L'arte è sempre in larga misura il bisogno, la disperazione e la disperazione.

Puoi paragonarlo ai sogni: hai un linguaggio pittorico molto specifico e individuale che accetti o che puoi tradurre avventatamente e erroneamente. Certo, puoi ignorare i sogni, ma sarebbe un peccato, perché sono utili.

Non capisco cosa abbia motivato l'artista, il che significa che i dipinti hanno una qualità intrinseca. Penso che Goethe l'abbia definita la "dimensione essenziale", la cosa che rende grandi le grandi opere d'arte.

In verità, le informazioni fattuali-nomi o date - non mi hanno mai interessato molto. Queste cose sono come un linguaggio alieno che può interferire con il linguaggio del dipinto, o addirittura impedirne l'emergere.

Con un pennello hai il controllo. La vernice va sul pennello e fai il segno. Per esperienza sai esattamente cosa succederà. Con il tergipavimento si perde il controllo.