Bridget Riley citazioni famose

Per me la natura non è paesaggio, ma il dinamismo delle forze visive, un evento più che un'apparenza. Queste forze possono essere affrontate solo trattando il colore e la forma come identità ultime, liberandole da tutti i ruoli descrittivi o funzionali.

Mentre l'artista sceglie la sua strada, rifiutando e accettando mentre va, emergono alcuni modelli di indagine.

Lavoro su due livelli. Occupo la mia mente cosciente con cose da fare, linee da disegnare, movimenti da organizzare, ritmi da inventare. Anzi, mi tengo occupato. Ma questo permette che accadano altre cose che non sto controllando... più esercizio la mia mente cosciente, più aperte le altre cose possono trovare che possono venire attraverso.

Il primo lavoro di un artista è inevitabilmente costituito da una miscela di tendenze e interessi, alcuni dei quali sono compatibili e alcuni dei quali sono in conflitto

Penso che questa mancanza di un centro abbia qualcosa a che fare con la perdita di certezze che il cristianesimo aveva da offrire

Non faccio mai studi sulla natura. Si sarebbero messi in mezzo. Uso la mia mente.

La pittura è una scienza perseguita come indagine sulle leggi della natura...L'osservazione è considerata la chiave per le scienze naturali.

Ho usato per costruire fino a sensazione, accumulando tensione fino a quando non ha rilasciato un'esperienza percettiva

La messa a fuoco non è solo un'attività ottica; è anche mentale.

I couldnâ € ™t ottenere vicino a quello che volevo attraverso vedere, riconoscere e ricreare, così mi trovavo il problema sulla sua testa. Ho iniziato a studiare quadrati, rettangoli, triangoli e le sensazioni che danno origine È falso che il mio lavoro dipenda da qualsiasi impulso letterario o abbia qualche intenzione illustrativa. I segni sulla tela sono agenti unici ed essenziali in una serie di relazioni che formano la struttura del dipinto.

C'è stato un tempo in cui i significati erano concentrati e la realtà poteva essere fissata; quando quel tipo di credenza scomparve, le cose divennero incerte e aperte all'interpretazione.

Se puoi permettere al colore di respirare, di occupare il proprio spazio, di giocare il proprio gioco nel suo modo instabile, è un comportamento sfrenato, per così dire. È promiscuo come niente.

Fu solo dopo essere uscito dalla scuola d'arte che copiai un piccolo Seurat, e lo copiai per seguire il suo pensiero, perché se copi un artista, e hai un sentimento intimo per lui, in realtà hai bisogno di sapere di più sul suo lavoro, non c'è modo migliore che copiare realmente, perché ti avvicini davvero molto a come qualcuno pensa.

I fallimenti di un artista valgono quanto i suoi successi: giudicando male una cosa conforma a qualcos'altro, anche se al momento non sa cosa sia quell'altra cosa.

In generale, i miei dipinti sono multifocali. Non puoi chiamarlo spazio sfocato, ma non essere fissato a un singolo fuoco è molto del nostro tempo.

È importante che il dipinto possa essere abitato, in modo che l'occhio della mente, o la mente dell'occhio, possa muoversi su di esso in modo credibile.

La parola "paradosso" ha sempre avuto una sorta di magia per me, e penso che le mie immagini abbiano una qualità paradossale, un paradosso di caos e ordine in uno.

Nei miei primi dipinti, volevo che lo spazio tra il piano dell'immagine e lo spettatore fosse attivo. Fu in quello spazio, paradossalmente, che ebbe luogo il dipinto. Poi, a poco a poco, e in una certa misura deliberatamente, l'ho fatto andare dall'altra parte, aprendo uno spazio interiore... in modo che ci fosse una profondità stratificata e poco profonda.

Ho imparato da Seurat questa cosa importante del colore e della luce, che "una luce" può essere costruita dal colore. Ho imparato molto sull'interazione, che "un blu" in diverse parti giocherà tutti i tipi di ruoli diversi.

La vera base del colore è l'instabilità. Una volta che si accetta che al posto di qualcosa che è stabile, che è la forma, si ha a che fare con qualcosa che è instabile nel suo carattere di base, si inizia a ottenere un modo di trattare con esso.

Sembra che la personalità più profonda e vera dell'artista emerga solo nel prendere decisioni... rifiutando e accettando, cambiando e rivedendo.

Come pittore oggi devi lavorare senza quella piattaforma essenziale. Ma se non ci si illude e si accetta questa mancanza di certezza, possono entrare in gioco altre cose.

La pittura è, penso, inevitabilmente un'attività arcaica e che dipende da valori spirituali.

Lavoro con la natura, anche se in termini completamente nuovi.

Nei miei primi dipinti, volevo che lo spazio tra il piano dell'immagine e lo spettatore fosse attivo.

Per me la natura non è paesaggio, ma dinamismo di forze visive.

I pittori hanno sempre avuto bisogno di una sorta di velo su cui concentrare la loro attenzione. È come se più la coscienza è completamente assorbita, maggiore è la libertà dello spirito dietro

L'occhio può viaggiare sulla superficie in modo parallelo al modo in cui si muove sulla natura. Dovrebbe sentirsi accarezzato e calmato, sperimentare attriti e rotture, scivolare e andare alla deriva. Un momento, non ci sarà nulla da guardare e il secondo successivo la tela sembra riempirsi, essere affollata di eventi visivi.