Piet Mondrian citazioni famose

La posizione dell'artista è umile. È essenzialmente un canale.

L'emozione della bellezza è sempre oscurata dall'aspetto dell'oggetto. Pertanto, l'oggetto deve essere eliminato dall'immagine.

Le curve sono così emotive.

L'artista veramente moderno è consapevole dell'astrazione in un'emozione di bellezza.

Ogni vero artista è stato ispirato più dalla bellezza delle linee e del colore e dalle relazioni tra loro che dal soggetto concreto dell'immagine.

L'arte non è fatta per nessuno ed è, allo stesso tempo, per tutti.

Più il colore è semplice, più interno, più puro.

Anch'io trovo il fiore bello nel suo aspetto esteriore.Ma una bellezza più profonda si nasconde dentro.

Le linee verticali e orizzontali sono l'espressione di due forze opposte; esistono ovunque e dominano tutto; la loro azione reciproca costituisce la "vita". Ho riconosciuto che l'equilibrio di ogni particolare aspetto della natura si basa sull'equivalenza dei suoi opposti.

La relazione di colore e la relazione di proporzione sono entrambe basate sulla relazione di posizione.

Per avvicinarsi allo spirituale nell'arte, si farà meno uso possibile della realtà, perché la realtà si oppone allo spirituale.

l'arte astratta non è la creazione di un'altra realtà, ma la vera visione della realtà.

Con l'unificazione di architettura, scultura e pittura verrà creata una nuova realtà plastica.

In tempi passati, quando si viveva a contatto con la natura, l'astrazione era facile; era fatta inconsciamente. Ora, nella nostra epoca denaturalizzata, l'astrazione diventa uno sforzo.

L'intelletto confonde l'intuizione.

È possibile che, attraverso linee orizzontali e verticali costruite con consapevolezza, ma non con calcolo, guidate da alta intuizione e portate all'armonia e al ritmo, queste forme fondamentali di bellezza, integrate se necessario da altre linee dirette o curve, possano diventare un'opera d'arte, tanto forte quanto vera.

Più puro è lo "specchio" dell'artista, più la vera realtà si riflette in esso. Supervisionando la cultura storica dell'arte, dobbiamo concludere che lo specchio viene purificato solo lentamente. Il tempo che produce questa purificazione mostra un'immagine graduale, più costante e oggettiva della realtà.

La natura o, ciò che vedo, mi ispira, mi mette, come per qualsiasi pittore, in uno stato emotivo in modo che si verifichi un impulso a fare qualcosa, ma voglio avvicinarmi il più possibile alla verità e astrarre tutto da quello, fino a raggiungere il fondamento, ancora solo un fondamento esterno, delle cose...

La realtà si manifesta come costante e oggettiva-indipendente da noi, ma come mutevole nello spazio e nel tempo. Di conseguenza, il suo riflesso in noi contiene entrambe le proprietà. Confuse nella nostra mente, queste proprietà sono confuse e non abbiamo un'immagine adeguata della realtà.

Odio tutto ciò che si avvicina all'ispirazione temperamentale, al "fuoco sacro" e a tutti quegli attributi di genio che servono solo come mantelli per le menti disordinate.

Perché l'arte dovrebbe continuare a seguire la natura quando ogni altro campo ha lasciato la natura alle spalle?

L'inconscio in noi ci avverte che nell'arte dobbiamo seguiremodo particolare. E se lo seguiamo, non è il segno di un atto inconsapevole.Al contrario, mostra che c'è nella nostra coscienza ordinaria una maggiore consapevolezza della nostra incoscienza.

I piani colorati, per la loro posizione e dimensione così come per il loro valore, esprimono solo relazioni, non forme.

Tutta la pittura-la pittura del passato come del presente - ci mostra che i suoi mezzi plastici essenziali erano solo la linea e il colore.

Nell'arte la ricerca di un contenuto che sia comprensibile collettivamente è falsa; il contenuto sarà sempre individuale.

Penso che anche tu riconosca l'importante rapporto tra filosofia e arte, ed è proprio questo rapporto che la maggior parte dei pittori nega. I grandi maestri lo afferrano, inconsciamente; ma credo che la conoscenza spirituale cosciente di un pittore avrà un'influenza molto maggiore sulla sua arte, e che sarebbe dovuta solo a una debolezza in lui, o alla mancanza di genio, se questa conoscenza spirituale fosse dannosa per la sua arte...

La superficie delle cose dà godimento, la loro interiorità dà vita.

Questa nuova idea plastica ignorerà i particolari dell'aspetto, cioè la forma naturale e il colore. Al contrario, dovrebbe trovare la sua espressione nell'astrazione della forma e del colore, vale a dire nella linea retta e nel colore primario chiaramente definito.

Il cubismo non accettava le conseguenze logiche delle proprie scoperte; non stava sviluppando l'astrazione verso il proprio scopo, l'espressione della pura realtà.

L'essenza della pittura è sempre stata quella di renderla plasticamente percepibile attraverso il colore e la linea.

Non voglio foto, voglio scoprire le cose.

Osservando il mare, il cielo e le stelle, ho cercato di indicare la loro funzione plastica attraverso una molteplicità di intersezioni verticali e orizzontali. Impressionato dalla vastità della Natura, stavo cercando di esprimere la sua espansione, riposo e unità.

Desidero avvicinarmi il più possibile alla verità, e quindi astraggo tutto fino ad arrivare alla qualità fondamentale degli oggetti.

L'unico problema nell'arte è quello di raggiungere un equilibrio tra soggettivo e oggettivo.

Se l'universale è l'essenziale, allora è la base di tutta la vita e l'arte. Riconoscere e unire con universal ci dà quindi la più grande soddisfazione estetica, la più grande emozione della bellezza. più si sente questa unione con l'universale, più la soggettività individuale declina.

Tutto si esprime attraverso le RELAZIONI.

I piani colorati, tanto per posizione e dimensione quanto per il maggior valore dato al colore, esprimono plasticamente solo relazioni e non forme.

L'arte al contrario cercava questa armonia nella pratica (dell'arte stessa). Sempre più nelle sue creazioni ha dato interiorità a ciò che ci circonda nella natura, fino a quando, nel Neo-Plasticismo, la natura non è più dominante. Questo raggiungimento dell'equilibrio può preparare la strada per la realizzazione dell'uomo e segnalare la fine di (ciò che chiamiamo) arte. (1921/23